演前預報 《朵拉@夢》

演前預報 《朵拉@夢》


時間：11.16（日）20：00
地點：民生社區活動中心
文：zoey


濕冷的夜晚中看到這次演出的DM覺得很溫暖，特別是它可以變身成小屋的樣子，敞開的門，彷彿可以看到故事的奇幻雲朵都在裡面發生著。進入這次排練場也有這種感覺，耳邊傳來的是導演正對著舞者們在講述最後一段結尾的發展，聽著那些輕快的句子指揮舞著們在場上形成簡單跳躍的樂章，不僅聯想到希臘故事中，關於Pandora's box最後要說的希望，一種可貴的動力。

朵拉有每個人的影子，在長大過程中後有好多疑問和追尋，雖然生活中沒有多啦A夢來為我們出點子加油打氣，但是生活的步伐還是在持續著，邁向各種可能。


台上舞者們行走的步調有時像風那般輕柔吹揚，卻又似不著痕跡打落樹葉於地，在單人、雙人、多人的舞動變化下，看見了故事中與自己相似的開心、氣餒、受挫打擊…特別是這次看到溫祖威與廖苡晴，兩位舞者在單人或雙人舞中，隨著音樂變化所展現的故事起伏令人著迷，而兩人精采的過招時刻，更是教人目不轉睛，顛覆平常的想像 ，非常有趣。


此次來看排練場，除了勾起對生活的問答外，還看到簡單卻迷人的彩妝，也聽到像是在各種空間流轉多彩的音樂，從擺放在現場的舞台與觀眾席的模型，以及地板的佈置使用，配合劇情變化有令人意外的美感，著實讓此夢，在觀看之下的虛實更多。在三面ㄇ型階梯觀眾席的環繞之下，相信不同角度都能很有趣，甚至能發現獨特的地方。就像導演提到的M，在換個角度看後又會像什麼呢？個人建議不要坐太高。 

【演出資訊】

藝術總監∕編舞│伍錦濤
音樂總監∕作曲│Koji Sakurai櫻井弘二
舞台∕燈光設計│房國彥
演 出 者│陳家逵、溫祖威、廖苡晴、林春輝、鄭羽書、季綾萱、蕭雅倫、
陳依仁、謝君白、楊秋軒、方志捷

演出日期│11/28（五）19：30、11/29（六）14：30、19：30、
11/30（日）14：30、19：30
演出地點│西門紅樓二樓劇場 (台北市萬華區成都路10號)
票 價│600元

購票方式│兩廳院售票系統 02-33939888  購票頁面http://goo.gl/D33tmP

誠品營業門市、全省7-ELEVEN i-bon、全家FamiPort、萊爾富Life-ET

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【演前預報】夾腳拖劇團：阿媽的雜細車

文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca

時間：2014.04.21 7:30PM

名稱：夾腳拖劇團  阿媽的雜細車

地點：三缺一劇團排練場

很多時候，只要那麼一個聲音，就會讓你忍不住回頭望。而那個對的聲音，會讓你不自覺發現，原來承載著想念記憶的，不是只有舌尖上挑剔的味覺，耳根子裡所感知的呢儂軟語，使得那曾經的畫面，自然地浮現眼前。

《阿媽的雜細車》有著很單純唯一的敘事線，以「聽阿媽說故事」的方式，帶著大家回憶阿媽的青春。這感覺有點像是重返鐵達尼，聽老Rose說著當時的繁華榮景，以及令人怦然心動的Jack。只是這次我們改搭「賣玲瓏、喊雜細」的雜細車回到日治光復時期，那個很純樸又可愛的海港城鎮 - 高雄。糖廠甜膩的氣味，以及胭脂水粉的香氣，孕育了一段調皮可愛又得人疼的戀情。只是在動盪戰亂的時期，總是有些許兒女情長無法被圓滿。這些個在大時代下不得不的犧牲，其作出決定的背後，往往交織著許多複雜難解的歷史意義與人性掙扎。

看排這天雖然沒有完全著裝與道具，但台詞的時代即視感很強，彷彿真能看到那時的街景樣貌。編劇筆下描繪的小人物們，不管是家庭衝突、男女情愛，還是過場的街坊鄰居，都能以細火慢煨的方式，慢慢熬出血肉，讓每個角色的個性清楚鮮明。整個故事雖以阿媽年輕時期的愛情為主軸，卻仍透過一名台籍日本青年兵的遭遇，控訴戰爭的無情，並諷刺身分、人種的變換竟是如此簡單又充滿無奈。

來說些私人一點的事情：在《阿媽的雜細車》裡，我聽到了許久沒聽見的家鄉口音：高雄腔台語。問了劇組才知道，為了切合故事背景，這次還特地找來了李江却台語文教基金會來調整演員的台語腔調。以台語發音的現代劇場作品並不多，除了金枝演社獨特的胡撇戲歌仔戲腔外 (有錯請指正)，台南人劇團的幾部作品也大量使用台語 (安平小鎮、海鷗)。不過，倒是第一次看到有作品使用高雄腔台語，多少勾起了我的鄉愁。

這也是為什麼我會在預報的第一段寫到：承載著想念記憶的，不是只有舌尖上挑剔的味覺而已呀！且讓「賣玲瓏、喊雜細」的聲音，帶你穿越30年代的港都巷弄，感受老老的、充滿人情味的台灣。

對了，這次劇組還作了首很懷舊的主題曲唷：阿媽的雜細車！

演出資訊：
◎ 演出時間：2014/05/01 ~ 2014/05/04
◎ 演出地點：西門紅樓二樓劇場
◎ 官方臉書：https://www.facebook.com/FlipFlopsTheatre?fref=ts

◎ 購票頁面：http://goo.gl/DQA930

◎ 演員：謝俊慧、陳家逵、吳碧蓮、陳俊言、陳婉婷、曹瑜、王博玄、溫崇文、周羿汎 

◎ 編劇/製作人：吳易蓁 

◎ 導演：陳彥達 

◎ 舞台監督：郭力維 

◎ 執行製作：李剛齡 

◎ 舞台設計：吳修和 

◎ 燈光設計：方金昌 

◎ 服裝設計：張義宗 

◎ 音樂設計：金皓哲 

◎ 影像設計：林育全 

◎ 平面設計：廖佩慈 

◎ 歌曲創作：吳易叡 

◎ 台語指導：李江却台語文教基金會 陳豐惠 

◎ 歷史指導：許佩賢 

◎ 日文指導：蔡瑪莉 

◎ 歌曲演唱：薛詒丹

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猶待戲劇的靈光《第十一號星球》

文：coolmoon

團體：萬華劇團
場次：2012/10/20 19:30
地點：紅樓劇場

本劇根據斯洛維尼亞（Slovenia）劇作家伊沃德．佛里薩（Evald Flisar）的劇本，以耶穌聖徒彼得（Peter）、保羅（Paul）、 麥格達令（Magdalene）的名字，創造出一個「正常」社會之外的邊緣世界。對比於以身份、地位、財富、品味來衡量人存在價值的資本主義主流社會──劇中人稱為「瘋子」的世界；這三個從精神病院逃出來的暴力偷竊慣犯、戀童癖同男、妄想症婦人，反如唯一清醒者置身事外，同時沒有出路，倚賴一本奇幻小說所提供的幻 想作為寄託。於是，孰為正常、孰為瘋狂？孰為是、孰為非？孰為真、孰為幻？遂成為懸宕於全劇的弔詭所在。這戲引起許多人聯想到貝克特（Samuel Beckett)《等待果陀》，相隔逾半世紀，但兩劇皆揭顯人處境的某種荒謬性。

戲劇英文本翻譯成中文出版，再經萬華劇團嚴謹的排練演出，並邀請劇作家來台，舉辦一系列講座，於台灣首演之後巡迴國外，整個製作過程嚴謹周全，無可挑剔。導演鍾得凡的詮釋相當也忠於劇本結構和語言。萬華昔為台北市遊民聚居區，但本劇登場於已列入古蹟、被整修得相當布爾喬亞的紅樓劇場，紅磚背壁的舞台被盡力打扮成遊民窟的樣子，橫斜舞台上空的晾衣繩和各處零零碎碎的紙袋紙箱，不作為演出物件，只為了營造破落的氛圍。或許由於對「摹擬」過分追求，劇本中隱然欲吐的辯證弔詭，搬上舞台後並未因象徵的立體化而明晰犀利，反淹沒在一種的寫實劇暖調裡。

王世緯飾演的麥格達令，特意演繹出一種溢於表面的瘋狂人格，但並不能令整齣戲轉調瘋狂。尹仲敏飾演的的彼得聲音低沉，與胡祐銘飾演的保羅娃娃音（但一當進入「嚴肅以對」的狀態，娃娃音就掉了），形成對比，但個性對比不大；特別第二幕的保羅卸去最初的憨傻相，保羅滔滔長論的冷靜彷彿取代彼得成為「三人 黨」的主要論述者。此時「麻煩製造者」彼得反像與瑪格達令共同「織夢」的好哥們。三名演員口條清晰、肢體靈活，只是演繹方向需要有超越表面的一致性。

這並不是一部容易詮釋的作品，它象徵得很像寫實，奇幻得很有邏輯，嘲諷得低調，抗議得消極。明明是遊民說起話來卻像哲學家，可以打昏人的豬腿好像慾 望的鐘槌，西裝、信用卡及手機，則是「瘋子」世界的重要表徵；結尾自窗外射入亮光，應是全劇詩意湧爆的頂點。虛與實，離開文本來到劇場，就不再是智識的辯證，而是從物質符號的選擇、肢體與空間的關係、事件節奏的放大和收斂上，顯出其內在的真實與荒謬，閃現戲劇的靈光（auro）。

以萬華如此年輕的劇團，製作戲劇態度嚴謹周全，值得稱許；在成功詮釋劇作的路上，尚可期待。

※首刊於「表演藝術評論台」 2012.10.23

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EX-亞洲劇團：猴賽雷

文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca

時間：2012.5.18 7:30PM 
地點：西門紅樓2F劇場
名稱：EX-亞洲劇團  猴賽雷 
NOTE：演員名單有變，由於Fa受傷，改由高丞賢(華麗)演出

有沒有連兩週都在看猴子的八卦，吱吱 (笑)？

上星期才看了歐洲猴子《卡夫卡的猴子》，這週則看了亞洲猴子《猴賽雷》，兩隻猴子都好看呢！《猴賽雷》的故事內容與《卡夫卡的猴子》相似，講的都是森林小猴子進到人類世界的冒險故事。但《猴賽雷》採用輕鬆活潑的調性來包裝這個嚴肅的議題，還搭配好聽的音樂與Q彈有勁的舞蹈，讓人看得心情愉快。

左右舞台向外朝觀眾席延伸，形成一個腳開開的ㄇ字型。舞台上有五座高聳的竹梯，以及數道由上垂吊而下的白色布幕：梯子可供動物們爬上爬下，布幕則有投影及製造景深的效果。故事的出場角色眾多 (各式各樣的動物與人類)，連帶的服裝造型也很多變。除了大量使用鮮豔的色彩迎合歡樂的寓言調性外，面具及頭飾的製作更是豐富。演出時舞台上就像是斑斕燦爛的萬花筒，非常熱鬧。

小猴子 (Jayanta飾) 本來和好朋友們快樂的生活在森林裡，一天一名人類男子 (阮少泓飾) 經過，將牠帶回了城市。歷經動物轉賣、綜藝團生活、愛上富家千金 (王世緯飾) 等人情冷暖，最後奮力苦讀，獲得選民支持而當上了地方首長。只是這樣的小猴子不開心，既無法跟喜歡的女孩兒在一起，也想念森林裡的夥伴，所以牠決定拋下一切，只為自在地秀出猴子尾巴，回到森林生活。

上半場的敘事速度明快清晰、一氣呵成，但當中的情緒卻又高高低低，起伏不停。小猴子從備受人類呵護到轉手賣人的哀傷；進到白蘭綜藝團的開心嘻笑，卻無奈戲班主 (陳彥斌飾) 早早辭世；最後來到理髮師 (高華麗飾) 的家中決定邁向另一段生活，藏起尾巴學習上流社會的禮儀習俗。旅程雖不停轉變，但舞台上所呈現的手法卻處處有驚喜：四名演員手持黑色布條變換位置移動，模擬出小猴子與男子回到城市所走過的身旁景色；小猴子與綜藝團成員熱情奔放的特殊肩膀舞，開心炒熱現場氣氛；垂掛在四周的白色布幕， 隨著故事需要而投影出相對應的剪影 (不耐等待的路人、理髮師手起毛髮落的幫小猴子變換造型)。

下半場的故事走向更荒謬乖誕，小猴子為了跟喜歡的人類女孩在一起，只好努力學習各項知識，讓自己的財富與地位都在女孩的父親之上。所以，牠進到了圖書館讀馬克思、唸全球化，還參與了公民選舉，順利贏得民心當選首長。猴子愛上人已經夠讓人覺得不可思議了，更別論後來的政見發表，什麼全民免稅、無償補助與22年國教通通成了不負責任的選舉牛肉。是說台下的觀眾也見怪不怪了，畢竟我們每天都可看到許多猴子在媒體前耍猴戲呀！

《猴賽雷》預設「國語」為人類專屬的語言，所以動物們所使用的語言為台語、客語、阿美族語與印度語。一開場動物們嘰嘰喳喳的聚會，的確讓觀眾小忙碌了一會兒，再加上沒有字幕，多少產生慌亂感 (台灣人太習慣字幕的存在)。直到放寬心，將注意力放在演員的肢體上，語言的混雜也就習慣成自然了。下半場的故事發展需要大量的文字說明來讓觀眾理解，則由與小猴子對話的人類理髮師作間接翻譯。對我來說，這像是種好玩的遊戲，我會先從Jayanta的肢體猜想他說了什麼，再從華麗的回應中得到解答 (OS: 我還真是容易自得其樂)。

或許是為了突顯人性的醜惡，理髮師這角色還真是從頭到尾沒一處好。除了虐待動物讓小猴子兩邊跑場作秀，還躍上台面代替小猴子發言，挾小猴子擁權自重 (諷刺政客背後可恨的幕僚嗎 XD) 等，壞水滿肚子。如此一來，卻讓理髮師這個人滿是鑿刻的痕跡。奪取權力後所說出的狂妄宣言，更是讓人覺得多餘。作品整體走的是隱喻路線，卻在最後用大剌剌的方式說破「小猴子的真 v.s. 人類的假惺惺」，怪不舒服的。

下半場有段布卷軸的應用非常有趣：演員們手持布捲軸，擺出不同的姿勢後定格，成了圖書館前的雕像 (OS: 其實我想到了哈利波特裡，魔法銀行古靈閣前的雕像 XD)。接著，就像是電影畫面快轉一樣，一尊尊雕像動了起來，朗讀起手上捲軸的內容，然後，「登」的一聲，小猴子懂了！前往選舉殿堂的小猴子，和另一個選舉人分據左右舞台，演員與手上的布捲軸，自然而然地化成背負著貨物或是手抱小孩的一般市民。

《猴賽雷》或許沒有整齊劃一的舞蹈，也沒有音準與拍子滿分的歌喉，故事情節更是不甚合理地一個滾過一個。但就是這樣不做作的缺陷，成就了這齣戲的獨特美感。舞台上逗趣的演出，多少誇張了些，不過該做到的效/笑果，該談論的小民生活，該諷刺的官僚文化，都隨著現場Live的豐富音樂，氣氛十足的一一達成，也將觀眾拉進了那充滿風情且令人懷念的野味自然與世俗市集。

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黑馬樂園《鬥浪潮》

文字: 于善祿
網站: LULUSHARP




時間：2011年9月7日，週三19:30
地點：西門紅樓2樓劇場
演出：黑馬樂園《鬥浪潮》

從正義海盜船長和酒保在吧台的聊天開始，談及尋寶的理想，場面再拉到舞台上，船長在有點窘態（因為向酒保吹的牛皮有點大）的尷尬下，倒也招得了幾位各色來路的船員，大夥總算出航。同時間，殺人如麻的壞海盜黑靈船也出發，前往藏寶圖所繪的寶藏之島。

浪漫化的海盜故事，有點像是《神鬼奇航》的精簡劇場版，精簡的是道具，但服裝可不精簡，精心設計的混搭，倒真的呈現出幾許海盜風；歌曲有的寫的還不錯，但總覺缺乏更有個性的敘事風格，太柔和了，聽起來好聽，但有些不太適合海盜故事的冒險奇遇多變，有點可惜。音響技術還是要再加強，多處的音爆聽起來不太舒服，演員透過麥克風講台詞，扁平、單一，也都失去了音源與音場的遠近層次感。

演員算是很努力地在表演的，但是台詞有時很囉唆，有時很白癡，既不太像成人的海上冒險，也不太像充滿奇想的兒童劇，有點卡在中間。較大的問題還在於，暗場換景次數很多，不斷地打破表演的順暢度。

邪不勝正，善有善報，惡有惡報，最後正義船長所尋找的寶藏根本就在自己的船上，就是他們每次吃飯時所墊的箱子，那是他父親老早就留給他的寶藏，裡頭附了一封寫給他的信，說明這趟尋寶之旅其實是一趟成長之旅，也是一趟自我發現之旅；而黑靈船那邊，所找到的寶箱，裡頭則是空無一物，自然也引來船員叛變的喋血事件。

看得到作品雛型，也看得到創作企圖心，但有些執行面還沒到位，稍嫌可惜。

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【臺北藝穗節】三合院劇社《紙飛機》

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文字: Ivy
網站: 貓的破爛打殼機

泡在眼淚中的一部小戲，劇情其實非常簡單，愛撒嬌的女孩佳佳，牽著爸爸的手去一個祕密基地，在那裡，爸爸跟她說了紙飛機的故事，

「把思念摺成紙飛機，往天空中射去，紙飛機就會幫你傳達給上天知道。如果在紙飛機飛向天空之後有風吹起，代表妳思念的那個人收到你的思念。」

那是佳佳與爸爸最後一次出遊，七歲那年，罹患癌症的爸爸，等不到佳佳考了滿分的數學考卷，留下床邊土黃的塑膠拖鞋、留下媽媽淌不盡的眼淚，留下佳佳對爸爸恆久的思念。

其實這戲催淚指數百分百，這是從文宣品就可以知道的事情，可是開演三十分鐘後，觀眾席傳來的啜泣聲，依然很驚人。

全劇只有三個演員，劇中還有一個小演員，絲毫不怯場的演出，用台灣爸爸的質樸加上小朋友的天真，成功騙走很多眼淚，台詞字裡行間所細訴的真摯情感，句句刻進心坎，閩南語和國語交替的不輪轉，聽在我這樣的南部小孩耳中無比熟悉，劇情安排雖然有點詭異、有點不合邏輯，感人幾乎要跨過濫情的界線，需要細修的部份很多，但仍要為劇組人員的投入與努力鼓掌。

後來去查了分飾媽媽與成年後女兒的林佳緣，似乎是很紅的星光六班成員，原諒我不看電視，總而言之，三合院劇社自己寫了一首主題曲，非常好聽，請點這邊，我一直期待這首歌出現在劇中，可惜沒有。



備註→
地點：西門紅樓
時間：2010年9月5日19:30
延伸閱讀：非官方BLOG

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【臺北藝穗節】三合院劇社：紙飛機 (感動再航版)

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文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca

時間：2010.9.5  2:30PM
地點：西門紅樓
名稱：三合院劇社  紙飛機 (感動再航版)

以演員的自身經驗改編而成，思念早逝的父親，並將其轉化為戲劇。願意這樣赤裸地分享和面對自己，勇氣十足。

整齣戲的走向是緩慢古老的，帶著淳樸的鄉村氣息。從父親對牽手伴侶的虧欠、與女兒失約的諾言，用淺顯好懂的對白，自然的國台語交雜，拉近了與觀眾的距離，親和力十足呀 (因為我跟我爸就是這樣講話的)！兩名主要演員的口條佳又富感情，實是騙走在場觀眾不少眼淚！

不過，從頭到尾的情緒都籠罩在失親的悲傷裡，人也好似浸在滿缸子的眼淚中，除了難過哭泣的感情外，好似就沒有其他東西，少了點的空間可做情緒的反彈。情緒都是有正有反，出來的效果與張力才大。《紙飛機》的氣氛都集中在反向的難過，導致看戲當下「哇~」的大哭，但戲落幕後的後座力不足，少了可細細品味的餘味。

此外，前半段的戲有部分安排意味不明。像是女主角佳佳身著白衣，氣氛詭譎的進場；接著提到，她想不起父親的樣子，夢境中轉過頭來的父親竟是張面具白臉；然後，就有群戴著相同面具的人員出現，環繞著佳佳並抓住她不放，這個畫面甚至還停格閃了燈！最後佳佳還自顧自的坐在地上，不理會男友，只抱著父親的相片不放 (男友還烙狠話說：「我不是你父親的代替品」)。這一整段安排讓我以為，佳佳其實精神狀況不穩，或許是因為父親的離去使她打擊太大，所以她是長期住在精神病院裡的。好，後來證明這一切都是我想太多......囧  可是就真的讓我誤會了咩~

我很喜歡父親死時的氣氛營造，戴著白面具的黑衣人，提著燈籠圍繞在病床旁 (其實就是舞台旁)，然後一盞一盞的燈籠滅掉，除了象徵父親生命的慢慢消失，也表示父女之間的真實互動再也回不來，從此不存在了。

西門紅樓的觀眾席是全平面的，若演出人員是在舞台上演出，我的視線就不會有影響。但《紙飛機》有很多部分的場景安排都不是在舞台上，而是在舞台下、觀眾席旁、甚至在觀眾席左手邊，等於是跟觀眾齊高，表示我必須要在前方的觀眾大頭間尋找空隙，看得實在是有點辛苦呀！

你累了嗎？聽首歌好嗎？(偽張爸亂入 XD) 請點我，有好聽的紙飛機主題曲唷！

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《Come To Daddy︰我親愛的大革命小姐》演前預報

預報記者：張輯米

如果喜歡被年輕少女性虐待的盧梭(就是歷史課本裡面的那個)轉世到了現代，而且還變成了小蘿莉！會是個什麼樣的畫面XD？

又如果盧梭的《愛彌兒：論教育》（Émile: ou De l'éducation）的愛彌兒變成活生生的人而且多年後長大了，還碰到了讓誕生她的盧梭，又會是個什麼樣的畫面呢？

這是一部沒有時序的演出，不斷地跳躍時間，剛開始看的時候可能會霧沙沙，因為記者沒唸過《愛彌兒：論教育》這本書，不過隨著劇情的進展，慢慢地和前面的事件兜了起來，會有一種說不出來的感覺。

演出後，我問導演，看這部戲是不是需要認識盧梭以及《愛彌兒：論教育》這本書呢？導演說不用，你可以把盧梭的名字換成阿強。嗯～還好，不然碰到像我這種有文字恐懼症的觀眾不就是滿滿的看不懂？

看整排的時候，因為排練場的投影機故障，所以許多影像沒辦法看到，我只能一邊看戲，一邊瞄筆記型電腦的版畫插畫，畫面之多幾乎可以和飛天行動比擬，也非常可愛，不過內容就和飛天的實景不同了，是與演員的表演有相呼應的，可以想像放在舞台上是蠻有趣。

然而，這部戲雖然有偶，而且也有一些可愛的傘偶以及卡通形式的投影，但還是建議在國中以上的來看會比較適合，年紀太小可能會不太瞭解。

另外，因為演出場地是在紅樓，而紅樓又是比較寬扁的舞台，所以建議觀眾選擇稍微中間甚至後面一點的位置，這樣才不會因為舞台過寬，頭要轉來轉去。

演出單位：同黨劇團
演出部落格：http://www.wretch.cc/blog/partytheatre
演出時間︰台北　5月29日(五)　7:30 PM
　　　　　　　 　5月30日(六)　2:30 PM　7:30 PM
　　　　　　　 　5月31日(日)　2:30 PM
　　　　　高雄　6月 6日(六)　7:30 PM
演出地點︰西門紅樓二樓劇場　台北 (成都路10號)
　　　　　 衛武營　　　　　　高雄 (免費索票入場)
票　　價︰500元
優惠票價︰1. 兩人同行，立即享有八折優惠！(原價1000元，兩人只要800元）
　　　　 　2. 購買蘭陵三十紅樓系列任兩檔不同節目享有八折，不限時間。
　　　 　　3. 憑一月飛天行動兩廳院票根購買Come to Daddy享有八折優待！
　 　　　　4. 憑學生票購買單場九折。
　　　　　5. 以上折扣恕不重複。

售　　票︰兩廳院售票系統 02-3393-9888

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我從遙遠來

劇名； 我從遙遠來Bardo Todel
演出：上默劇團
日期：2008年10月3~4日，7:30pm
 /10月4~5日，3:00pm
地點：台北西門紅樓
作者：coolmoon/部落格:我乃文字
購票去

全長八十分鐘，無中場休息。關於：東方默劇， 獨角戲 ，藏傳佛教，中陰救度密法。

上默劇團兩年以來的新作，今年夏天剛推出在法國亞維儂藝術節，還是第一次在國內演出。上陽明山去看錄影帶想像著演出的現場，南法的陽光空氣我吸不到，但走進了一個幽冥的劇場世界。

「中陰」是藏傳佛教說人斷氣以後，靈魂脫離軀殼的一段過程。對藏傳佛教一無所知的我，在團長兼編導兼唯一演員的孫麗翠娓娓解說下，逐步了解那神祕的靈魂途徑：清明、守靈、入身、離魂…….. 經歷八個階段，靈魂才真正從肉體的囚縛，或生的遺念中，解脫出來。我個人以為，稍微對這八個階段有所瞭解，比較能進入劇情。

1. 清明：「 敘述清明掃墓情境
以清唱、詩歌表現前去墓地的情懷 。」 在冥紙飛的葬禮氣氛中， 默劇演員從幾乎兩人高的巨偶—稱為大神，似乎象徵我們肉眼所能認證的軀殼和繁麗—中走出。靈體此時還記得俗世的儀典。

2. 守靈：「 回憶親人過世時的分離痛苦
活者的不捨與逝者的無奈 。」膝蓋偶與人的表演。人在掙脫前世記憶時，烙印最深的部份是親子關係。父母在梵文中稱guro，教師，意指父母是我們人生中第一個教師。

3. 入身： 「 難割情份的生身
附入死者肉體意圖與死者再度相會 。」講白點就是靈魂附體。

4. 離魂 ：身體依次分解的狀態，由地、水、火、風、空，對應人五感消逝的順序為—嗅覺、視覺、聽覺、觸覺，四大分解

5 .明點 ：「 當肉體分解後
意識進入更深層的明點境界
漸漸地呈現完全自由、清澈、無礙、光明的基礎地
還完本覺 。」這階段兩道地冥光，紅光向上，白光向下激射，稱為 紅白菩提 。

6. 明光：「 陰身隨著光色的變化
進入另一境界。」

7. 受生：「 隨著明光出現了中陰身的生命回顧
生前的往事在懊悔與喜善中前往來生。」 據說 靈體完全自由的階段，但也是最危險的階段，生前慾望冤親債主會在一瞬間全部湧現，一迷惑就會掉入業轉輪迴中。最後，大神從斑斕富麗到腐朽如骨。

8. 圓滿：如首場唱著六字大明咒，靈體完全自由了。同時象徵「 人生的起落終為圓滿 。」

我承認我個人相當幸運，有孫麗翠在旁娓娓解說（現在我把這幸運分享出來），當我瞭解那靈魂經歷的那一程程幽深、專注、寧靜、神祕的階段以後----絕對唯心 ----也有點被洗滌、淨化的感覺。 孫麗翠說就像人求道修行一樣，一關修過一關，有時以為修過而往往不然，永遠還有下一段進階。靈魂離體也必須經過這麼多階段。

孫麗翠說這戲其實並不在演示經義，而是把她自己對中陰救度的體悟做劇場化表現。所以與其用宗教的角度去考證，不如以藝術的角度去欣賞。

談起創作這齣戲的初衷，孫麗翠前幾年在亞維儂巡演《善哉吾人》時，有觀眾向她反應：妳每天砍殺自己的兒子（其中一段劇情）難道不感到痛苦嗎？我看了都痛苦。孫麗翠提醒觀眾戲就是戲之後，就慢慢孕想了另一個主題，為了解釋 生和死並非截然二分 ，甚至「了解死亡就是深入生命」，所以創作了這齣新戲 。由此可見《我從遙遠來》並不在讓觀眾一起經歷死亡的恐怖，而是從中體會生的喜悅和價值。

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側記第一屆台北藝穗節

文/snow

整體來說，今年的藝穗節演出種類多樣、百家爭鳴，這一部分是鑿因於許多尋求演出機會的創作新人，藉著省去昂貴的場租及立案的困擾之誘因(以個人名義推出作品)，踏出了他們的第一步；而已經沉寂相當久的劇場老屁股，也藉此機會大玩特玩。台北許久沒有出現的蓬勃創作能量在此入秋之際霎時齊發。

以第一次的台北藝穗節來說，有相當多值得注意的面向可以切入，一是小劇場許久未推出作品(歷史悠久形同解散)的臨界點劇象錄、百樂門劇團的舊人們，分別以沙拉肯跟劇團、萬華劇團、張吉米、謝宜珊、林文尹、毛雅芬...等新團或個人名義推出作品，這些演出包括了《張吉米的喜酒》、《瑪菈碼德馬蹄條》、《紅鬼‧青鬼》、《不累》&《脣齒》。而這幾年已建立一定知名度的動見體劇團、聲之動樂團、三缺一劇團、EX-亞洲劇團、鬼娃株式會社劇團、吳世偉、鄭尹真、曉劇場...也有新作的推出。

最後的兩類則是學生組成的新團(以台藝大、北藝大學生為主)：四把椅子(已是第二齣戲的推出)、無以為繼、何佳郁、什麼鬼樂團...，以及國外留學歸來並選擇以fringe作為他們起點的如：姚尚德《一隻狗失蹤的意義》、方岫嵐與張嫚書演出的《女人戰爭》...
琳瑯滿目的演出恕我無法一一言及，儘管這是一個難得的光景，但低迷的環境與產業導向的政策，又不禁令人擔憂這樣的創作能量是否只是曇花一現？而這些新人舊人又有多少能持續的經營下去？

且讓我們先把擔憂放在一旁，先從這一次藝穗節的技術面談起，裝台時間的不足與硬體設備缺乏的場地是這一次許多團體所共同面臨的問題，這也是爲何這一些演出以小品居多、燈光又不夠靈活的原因。但既使移植自愛丁堡fringe或亞維農off的模式，以快速更替的演出為主，主辦單位其實還是可以有許多變通的空間。就以影響最大的燈光來說，若能主動邀集同一段期間、同一場地演出的表演團體共同開技術協調會議，並將共同裝燈的時段納入藝穗節的規劃中，就能節省相當多的時間，畢竟任何一分一秒對於這些經費與資源嚴重缺乏的團體來說都是相當可貴的。但不得不提的是，表演團體對於空間屬性的掌握與資源充分利用的能力若能再更加強，都可以讓整體演出加乘，畢竟導表追求的是合宜，而非逞能。

儘管這些演出令人驚艷的的確不多，但這些場地資源的釋放的確能紓緩經費嚴重匱乏的團體的壓力，倘若這些演出場地能持續對本土的創作團隊與個人提供場租的減免，相信絕對能有助於落實政客們常掛在嘴邊的“整體藝文環境的提升”。而演出精緻度的不足很多是來自於排練時間的缺乏，這個老問題如果將它納入台灣有限的排練場地與補助經費下思考，就我所看到的，依舊有“極少數”團體對於導表細緻度的堅持依然是令人動容的。

接下來我就照時間順序，將這幾週看到的五個劇場演出、一個音樂和一個舞蹈所做的筆記與大家分享。但因為時間的關係，我省略了冗長的劇情簡介，如果看不懂就跳過吧。


節目名稱：《身體三部曲之一：器質性官能》一個在邊緣的作品

編/導：劉寅生
演員：劉寅生、吳啟新
演出日期：30/8
演出地點：南海藝廊

演員的身體素質及訓練都相當不足，專注力也不夠，這相當程度的影響演出的完整性及其所意圖製造的氛圍、情境。

專注力至為關鍵，既然選擇了儀式性的戲劇動作，表演勢必成為這整個演出的主體，而非視覺畫面、裝置的附屬。

整體演出令人不耐，而非創作者在文宣上所希望的”睡著”或”恍惚”，因為這樣的狀態需要被引領：若作為一個儀式的過程來看，這就端視祭司的能力。

演出的名稱標誌出的“邊緣”二字，並不會增加觀眾的包容力；環境音樂(ambient music）也無法讓儀式的神聖性被建立；疑似大麻的香味也不會讓觀眾更為入戲，因為：
問題的關鍵永遠是「表演」！

節目名稱：《不累》&《脣齒》--媽，我可以學鋼琴嗎？

編劇：謝宜珊、黃怡婷、林文尹
導演：黃怡婷、林文尹
演員：何京津、劉宜佳、黃仁富、謝宜珊、秦嘉嫄、毛雅芬
演出日期：31/8
演出地點：南海藝廊

慢秀雷燉《不累》
簡潔的台詞勾勒出三段旅程，在《銀色的月光下》這首歌的貫穿下，喚起觀者的個人記憶與表演的對話。這齣戲沒有複雜的走位或難以下嚥的對白，但角色背後靈(小丑)的動作、音樂點出現的時機亦或直白的台詞，都能切中它所試圖談及的：關於「時間」的鄉愁。

而此時，生澀的演技、模糊的咬字與使用過於頻繁的暗場，都因為觀賞過程中所感受到的片刻真實而不再重要。
給我無花果《唇齒》
這齣戲由一個童話故事，帶出一對相依的母女兩者愛恨交織的情感。與其說利用台詞，母女兩人更多是利用身段、亦或社會性姿態(Gestus)刻畫這兩個角色的矯揉做態。

這是目前在南海藝廊所看到的演出中，將那面落地窗利用較爲得宜的戲之一，兩個人一內一外，做著由那則童話所延伸的一樣的舞蹈動作。
同樣是頭尾重複出現的歌曲，讓這齣短戯的段落結構得以完成，只是這一齣的主題曲換成了Eric Satie的Gymnopédie No.1。角色的記憶與衝突，都因為這段優美的旋律而被納入南海藝廊落地窗外陽光灑落的庭院裡。


節目名稱：動見體劇團《愛情殺手！》

導演：王靖敦
表演：王靖敦、林人中
演出日期：2/9
演出地點：牯嶺街小劇場

雖然沒有中場休息，但從形式風格上，大致可以被拆為上半部和下半部來看。而奇怪的正是兩者的差異產生的斷裂感。

前半段的表演節奏是輕鬆幽默的喜劇，由於演員以極醜的扮相賣弄風騷和情緒拿捏得宜，演出博得了不少笑聲，但文本或台詞並不具有任何推進劇情的功能，只是簡單的建構了時空背景。

後半段劇情急轉直下，將這個喜劇終結在一個謀殺劇碼裏，而由於大逆轉的過程被壓縮，這一段的寫實表演也就不足以支撐劇情線結尾的沉重。

我想，不論是刪除前段的鬧劇，將後段的主題以較長篇幅加以闡述；亦或改變後段的表演質地，以連貫「黑色喜劇」的力道，都能有助於整齣戲的張力。


節目名稱：《老虎與士兵》EX-亞洲劇團2008年新作

編/導/演：Chongtham Jayanta Meetei
演出日期：5/9
演出地點：西門紅樓二樓

如果以Jayanta單憑肢體、狀聲詞與沒有字幕的印度語，這樣的獨角戲表演模式來說，《The Story of the Tiger》後半段複雜的劇情真的很難被清楚的傳達，儘管對於很多觀眾來說這不見得是個干擾，但我想也並非創作者的最高期望。

這是一個相當有勇氣的嚐試，儘管說起來簡單：不依賴語言的告訴你一個故事。它並非一個身體默劇(corporal mime)，你可以在Jayanta的表演中看出許多東方人的身體語彙 ─ 程式化的語言、表演者重心轉移的方式、腳趾上鉤...等等。

其實對我來說，倘若後半段(士兵離開老虎之後，抵達某個村莊)的劇情線，較難以讓華文的觀眾捕捉，有一些更簡便的導演手法也許更有效果：如在後半段跳開劇情，只傳達每一段落的意境；只是這或許就違背表演者的初衷了，表演者選擇讓觀點(寓意)在說完故事的最後一幕被凸顯：演員戴上老虎的面具，單腿站立，配合手勢、眼神，以一個宛若巴里島舞者的舞姿，模糊了人與獸之間的界線。



節目名稱：《聲之動 + DJ SL》

創作者：聲之動樂團、 DJ SL(劉軒)
演出日期：6/9
演出地點：西門紅樓二樓

這是我第3次看聲之動的演出，由於這一場劉軒在下半場得趕赴朋友喜宴，所以聲之動的世界音樂(World Music)，與DJ的合作都集中在上半場，下半場則是聲之動獨挑大樑。

比起我三年前看到的聲動劇場，音樂的元素豐富很多，主因是來自於吉他手謝華洲的加入，以及二胡手羅堂軒對於中亞、中東的旋律已經漸漸駕輕就熟，配合他本來就扎實的基本功，旋律線的變化比過去豐富許多。

相較而言，創始團員Mia的歌聲和Bass手Scott就較無太多的成長，上半場最後一首Scott的貝斯完全跟DJ的節奏搭不起來，既使其他樂手(吉他、手鼓)努力想要幫忙，也無力回天。而Mia的高音則依舊稍嫌單薄。

負責節奏部分的Alex(吳政君)這次使用了7,8樣樂器，依舊是這個團最具可聽性的部份。而這一次跟劉軒的合作也多虧於他的演奏和Scott的編曲，讓整個合作不至紛亂。但是，電子節拍雖然以陪襯的角色增強了歌曲的力道，卻也沒有爲演出帶來太多新意。


節目名稱：《重軌道》慢半拍舞蹈計畫台灣首演

編/導/演：王珮君, Abigail Levine
演出日期：11/9
演出地點：牯嶺街小劇場

此節目包含兩部份，該團舊作【42.38北; 72.88西】。，以及新作【引力探針】 (Gyros & Squids)

由於概念先行的關係，身體重心的運用幾乎可算是這兩齣舞碼的編舞核心，而這兩個舞碼也有不少的地板動作。演員即興的成分相當多，第二齣舞碼兩人的互動並不如第一齣的緊密，可能是一起排練的時間有限，有部分timing上的錯失。

至於音樂，不論是第一齣Evan O’Reilly(電吉他)及Taylor Ho Bynum (短號)所創作的音樂，亦或第二齣低音提琴手／手風琴手吳馬丁(Martijn Vanbuel)的現場演奏，都是以爵士樂為基調，與演出的主題和概念相當契合。

整體來說段落與段落間的過場並沒有處理好(特別是第二齣)，結構也因此而變得鬆散而零碎，作品強烈的企圖 ─ 對於愛因斯坦相對論的探討 ─ 似乎也就因為編舞的缺位而顯得過於簡略和混亂。

節目名稱：《忿怒》

編劇：高俊耀
導/演：高俊耀、鄭尹真
演出日期：11/9
演出地點：牯嶺街小劇場

這是我今年藝穗節最期待的一場演出。而事實上看完後發現，不只是藝穗節，這也是我這幾年來一直期待看見的演出。

當我們重新審視”fringe”這個字眼所承載的邊緣意義時，我們也同時在問：何謂“邊緣”?為何“邊緣”?此時，邊緣二字不再單純指涉著另類、前衛的美學形式，也包括這些形式所涵蓋的政治、性別、社會結構、文化脈絡...等等面向。

對我來說，那就像是《七宗罪》裡九月臉上的刺青：「...他亦不以為意，只是冷冷的打量那些避開的人群。就這麼一刺，它宣布和這個世界從此決裂。」

並非因為他們是少數，亦或因為活在底層所以邊緣，是這個世界的二元價值決定了他們的邊緣。

而劇場就是我們的刺。

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眼球先生夜總會—愛情青紅燈

作者：稀瑪
部落格：稀瑪瑙--黯黯內含光
照片來源：眼球愛地球

演出：眼球先生
時間：8月31日-9月1日
地點：紅樓劇場


天使無名，野花無譜

──眼球先生夜總會觀後雜感，真的很雜！

──觀後感有助抒發情感，但評論在那裡？


傾盆大雨的午後，紅樓劇場裡爆滿的觀眾顯現「眼球先生」夜總會系列的超人氣，粉絲組成的「眼球先生後援會」拉著布條興奮合照；特意穿上全套粉色和服的女孩踩著木屐上二樓；彼時不注意，會誤以為掉落時空隙縫裡，外星人聚會的場所……。

表 演開始前，早早入座喝熱茶的觀眾們一點都不無聊，裡面的消費活動是再熟悉不過的生活劇碼，比坐進漆黑劇場聽精心設計過的配樂還來得讓人倍覺「親切」（或？ 隨你，反正是你的感結），工讀生奮力叫賣圖文書、卡片、五號眼球娃娃，像逛博物館最後都會去買紀念品般的精準「親近藝術流程」（也是我每次看完展覽必做， 表明我曾到次一遊嗎？不知道，只是買得不亦樂乎）。大銀幕上播著眼球先生受英國文化協會要請走訪英倫的釵h搞鬼照片，看他在異地繼續載著大眼球橫行無阻結 交外國外星外宇宙好朋友，很是看王建民打棒球的民族情節搔搔癢，心中昇起「我也好想在那裡」的渴慕之情，是不知誰的文化感染誰的混亂。（沾染英倫風是一定 要的，不然下次沒這個機會，阻擋了其他優秀創作者被送出去看世界，是會被雷打滴。）

怎麼？對商業活動反感嗎？覺得眼球這傢伙怎麼又是夜總 會又是賣東西的很沒品嗎？習慣了低級攻佔卻不知如何看待又沒外國新穎理論可以支撐不知如何分析乾脆跳過視而不見嗎？（好像也很久沒看到讓人熱血的評論了， 混亂的變動日子裡隨便表態是有生命危險哩！）覺得這個怪咖倒底想當偶像還是想當藝術家丈二金剛摸不到腦袋咩？

說過：「未來每個人都可以成 名十五分鐘。」的普普藝術大師安迪．沃荷還說過：「我想成為一個藝術家商人或商人藝術家。善於經商是最令人著迷的藝術。」不用廢話有慧根的人們早就了解藝 術與貨幣、市場經濟的關係在當代已交織成一片巨大（但不知是那種花紋）的網，不能再單純地用道德倫理對待，藝術家不再成為滿載責任的先知，有時是以市場為 聖域成為創新的潮流教主，或有時是用惡搞心態穿梭主流（甚至俗文化）的“玩家”（很消費市場的名詞吧！），誰說那不是藝術？低級趣味翻身也不用再廢話了 吧？星爺打敗候導拿金馬獎時不是也有人吐氣有人皺眉嗎？（不過沒有“論戰”，因為有立場就有上下左右的危險嗎？那深層的意義呢？有人在意嗎？──叩叩叩， 有人在家嗎？不在不在剛剛去買菜……）總之，只想說或部A眼球先生是藝術家也是商人。

難題來了！（和弱勢團體的養護之家差不多的窘境），是公關和行銷的問題。

一 場演出賣出幾千塊週邊商品的利潤聽起來小團體或個人創作者會流口水，對一屨K當到叫到五十個一個七八十塊來說，可以付出一兩尷熄瑪畍C那麼還有其他的呢？ 平時商品的管道呢？美術界的作品賣出不用團體操作，反正買方賣方願打願挨，但要賣給平民大眾時，怎麼打開知名度和通路可就真的是消費邏輯了。單靠聰慧有才 氣的藝術家是做不到的，沒有幾個創作者是真的能兼當CEO的。

對於眼球先生自己，想來對他創作遊戲之孤苦有所領悟，〔愛情青紅燈〕散場前打出字幕寫著長串字詞，告訴大家不要想太多，做戲的人不惜代價只希望大家還是要在這絕對不完美的世界裡自行尋找快樂。

對照文化學者馬克泰勒的話，覺得他們倆可能會合得來：

「最 終，問題不是自一個黑暗籠罩的世界發現救贖，而是去學會如何在一個沒有救贖的世界中生存。」（Mark C. Taylor, Confid　ence Games:Money and Markets in a World Without Redemption, p.331）

遊戲力量大

繼然已經搬出前面那位先生，不如就順帶一提他引用過的例子，他提出

這種挑釁社會現存規則的例子還有，其中多少都內含戲謔成份，

眼球先生的【愛情青紅燈裡】最明顯的相同點就在他多次從幕後衝出來「置入性行銷」打歌打書打口號（「性病防治所關心您！」那段），是現存


今 日的娛樂新聞，我看到楊宗緯的粉絲們呼籲開始幫他存解約的錢，這道消息給人當頭一棒（最少是給我）！像上個月有個電影新人導演把自己的作品放上 YOUTUBE（www.youtube.com），九十分鐘電影看到完，免費，覺得不錯的話就去另個網站註冊，導演便會得到美金一元當下部片資金，還有 人直接捐一千美元給他（後來不知他募到多少？），這種團結力量大的故事真的是啟發很大。（很耳熟嗎？沒錯，像宗教的募捐，有關宗教與經濟與藝術活動，是有 人專書研究的啊！）如果能運作得當，這是不是一個新的支撐藝文創作的可行方法呢？這麼說回來，就該鼓勵觀眾消費買週邊商品，買賣是讓新創作發生的可能。 （於是，眼球先生欠行銷人員嗎？欠好的商品企劃嗎？還是他該努力遞企劃看有那些企業主要投資呢？不是有本書就叫「文化是門好生意」之類的嗎？）

是 這樣的世代了啊，服裝、精品、藝術或屎賣給金字塔頂層的人才能有經費（別忘了可可雙Ｃ女士是醬發跡的）已經是上世紀的作法（現在也還管用啦，只是更惹人厭 吧。）。本世紀則是團結力量大的平民世代。而這樣的運作模式，評論者的書袋裡可能得加裝經濟學社會學或人類學（？）的參考書類，亦或我們該請社會學家心理 學家經濟學家寫論文時施捨點關愛的眼神？

我在寫什麼？我在說的是身為一個想將看戲觀感延伸到最大效益的消費者，想要的一篇好評論。（瞧，這邏輯很商業吧。）

參見眼球先生官方網址

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劇場同樂會──《浮浪貢開花2》

作者：WeiChi
新聞台：戲子雜記

演出名稱：《浮浪貢開花2》
演出團體：金枝演社劇團
演出日期：2007/08/16
演出地點：紅樓劇場


在 劇場打滾一陣子了，戲也看了一些，有時總會不禁想起葛羅托斯基提出的問題，劇場要如何有別於電視、電影。在影視工業高度發達的後千禧年時代，劇場仍然存 在，台北這地方幾乎每星期都有戲可看，葛氏的憂慮似乎沒有擔心的必要。不過若換個角度來思考，究竟劇場的特殊性在什麼地方，依舊值得探究。更進一步來說， 怎樣的戲劇可以代表台灣這塊土塊，原生於台灣的歌仔戲是可能的選項，但是，金枝演社《浮浪貢開花2》所展現的同歡風格，同樣具有一定潛力。

本 劇故事相當簡單：浪子回鄉。浮浪貢阿才回到了家鄉，發現妹妹玉蘭生了小孩，自己的阿姨訂了婚，家裡更多了一位寄宿的女孩，讓阿才一見鍾情，展開了追求。同 時，妹夫暗地努力想開店卻意外地讓玉蘭感覺被疏遠；阿才的阿姨則是遇見了酷似舊情人的男子，對現今愛人的感情產生動搖。故事就在這三段愛情故事分別收尾時 結束，阿才又再度踏上流浪的旅途……

中場休息時，一度有想離場的衝動，《浮浪貢開花2》的美學實在不是針對習於精緻劇場的觀眾而發。極度 誇大的肢體動作與臉部表情搭配巧構的誤會愛情劇本，顯眼而豔麗的服裝，大紅大藍的炫目燈光再加上圓形霓虹燈，還有大量的台語老歌，《浮浪貢開花2》儼然是 齣在劇場上演的台灣鄉土劇。除了「俗擱有力」四字之外，很難找到更貼切的形容詞。

然而，暫且拋下以往的慣性思考，眼前的作品其實完成度相 當高。音樂巧妙地融合了西方古典音樂與台語老歌，燈光用色極為大膽，突顯了歌廳秀的氛圍，舞台雖然是簡單的室內景，由木頭搭建成的地面卻直接呼應浮浪貢的 飄泊天性。各個元素呈現一種拼貼美學，但高度自由之餘，調性都非常統一，對於全劇所需要的情緒皆有加分作用。更重要的是，有刻骨銘心的愛情，有無怨無悔的 親情，誤會與和解，歌曲與舞蹈，演起來熱鬧非凡，看起來歡樂異常。金枝演社主要發展的劇場實驗走向之一便是這類從民間胡撇仔戲發展而來的庶民美學。表演元 素的運用極為自由，幾乎沒有限制，並且不斷的把新東西丟到舞台上去，從電影蒙太奇式的轉場，類似紅包場的歌廳秀，到以人扮偶、偶劇等，只要保持觀眾的新鮮 感皆一律採用。這些手法配上民眾熟悉的愛情、親情題材，與民眾距離相當接近，頗能搏觀眾歡心。

不過，從表演方面來看，這種胡撇仔戲的美 學，其內在邏輯並非完全穩固。演出的大多數時間裡，採用猶如歌仔戲唸白的口條以及默劇式的誇大肢體表情，但需要表達細膩情感時，卻顯示出表演語彙的不足， 仍需回歸到寫實的表演方法。如此一來，表演便遊離在兩端相異的質感之中，未能取得一個穩定的調性，加上不少刻意插入的搞笑橋段，連帶使戲劇節奏的步調起伏 不定，整合度反倒不如舞台元素。從劇本來看，本劇未企圖說什麼大道理，只是一連串誤會與化解的過程，但其結構卻極為精練，各個環結扣得十分緊密，可看出是 由受過專業編劇訓練的人所寫出的劇本。從劇本而起，再從舞台的緊密整合，最後至表演方法的分崩離析，雖然本劇看起來是齣輕鬆鄉土劇，但各部門背後，都有著 非庶民的「專業分子」在操控著，只是隱身得非常巧妙，僅在表演風格的罅隙之間得以一窺其身影。因此，實際上《浮浪貢開花2》雖展現了親民性，但實則是非通 俗的「專業分子」所想像的庶民美學。讓人不禁要問，如果捨去這些舞台技術與搞笑橋段的包裝，這種美學能否成立？又或者，這種風格是否真的是能代表台灣的風 格，若非接觸過久遠的台語老歌，看過灑狗血的電視鄉土劇，甚至若不懂台語，則這齣戲的特色根本無法理解。代表台灣，難道意味僅有台灣人能懂？

如果說，金枝演社胡撇仔的風格實驗第一步是廣納台灣元素並加以剪裁入戲的話，那麼這階段的任務完度已經相當高。下一步讓人期待的是，要如何取捨這些素材，使之融合成一個有機的整體，能真正的建立起一種以往未見的風格，無關知識分子或是庶民，而是獻給想進劇場一笑的觀眾。

其他品戲文章：《浮浪貢開花PART 2》by 小六

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《浮浪貢開花PART 2》

作者：小六
部落格：Six Senses
演出：金枝演社
導演：王榮裕
編劇：游蕙芬
演員：施冬麟、李允中、劉淑娟等
時地：8/16, 7:30 pm紅樓劇場


好 一齣雅俗拼貼，國、台語穿插，歌、舞、戲交融的《浮浪貢開花PART 2》啊！這齣戲真的讓我看著看著油然感受到節目單上說的幸福的古早味：因為只有在台灣成長生根的創作人才做得出這齣戲，也只有在台灣生活紮根的觀眾才能欣 賞其精髓。那幸福的滋味在於我們不用辛辛苦苦研究國外的語言文化，不用正經嚴肅交換艱澀的知識論述，便享有特權，能放鬆心情享受本土製造的戲，於是興味便 如煲湯似的，慢慢從舞台上飄進了我的心坎裡。

一開場，熱鬧的載歌載舞給人台語音樂劇的印象；隨後引妍狐菪x語老歌，搭配牆上的字幕，又製 造卡拉OK 包廂的幻覺；緊接著是我個人不熟悉的念白腔調與表演肢體，彷彿布袋戲、又類似歌仔戲（後經友人提醒，才想起這是金枝的招牌胡撇仔戲，都怪我平時太不注意 「台」戲了）；還有三不五時冒出的「世界名曲」，搭配劇情劇通俗搞笑的情節與對白；最後再加上慢動作與偶戲！整齣戲不僅拼貼的意味濃厚，更難得的是用以拼 貼的各細項元素——劇情、表演、服裝、音樂、燈光（詳後敘）——不是百花亂放的大雜燴，而是服服貼貼地融入整齣戲統一的調性，雖然俗勁逼人，但這麼大剌剌 卻又不著痕跡的「巧拼俗」，卻能明顯看出王榮裕經年熬燉的導演奶O，狂狷而低調。

劇本的起承轉合巧妙，是親切通俗的佳構劇，沒有主角，也沒有高潮，只有彷彿鄰家人物的眾生群像（甚至不算故事），可以一直不斷的演下去，不時讓我想起民視或三立台永不下檔的連續劇。看完之後，劇情或人物沒有刻下深切的印象，但溫馨中悲喜交雜的味道卻久久不散。

由 於劇本的重心不在創造獨特鮮明的角色，而是各類典型的人物（癡情男、戀家女、忠厚的丈夫、浪子、孤女等），因此演員的詮釋偏向融合「揣摩角色內心」與「誇 張的格式化表演」，但這兩種表現方式原本就互為排斥，致使我對人物認同產生障礙。比較能將這兩種表演方式揉合為一的是施冬麟飾演的Taco；劉淑娟的愛將 對情感刻畫著墨較深，而李允中的阿才則有突出的形式化表演。在卡司上，高銘謙合乎清水的型，陳萬號則有英雄的味道，兩者都是成左瑪翵丑C眾演員在這齣戲中 不只是演戲，還要唱歌跳舞，類似歌舞劇演員，但演、歌、舞的整體表現齊平，令人不住鼓掌。

唯有搭配此劇才成立的音樂與服裝在在教我驚喜。 耳熟能詳卻叫不出名稱的古典樂、電影配樂、流行樂，和國台語老歌混搭後，竟脫去了每首樂曲原有的力量與情感，怪異地流露出（或說融入）台味，不拘泥於任何 風格的音樂，又能融入古早的台灣味，是音樂設計最成奶妊B。而色彩鮮豔、圖案花俏、多層次的服裝，營造出誇張寫實、俗氣搶眼的造型，並點出人物性格。燈光 亦恰如其份，兼有華麗、俗氣、平實的質地。選在紅樓演出也很能傳達復古的風情。

金枝的戲，很可惜我只看過《群蝶》和《祭特洛伊》，《浮浪 貢開花2》的屬性與前兩齣大不相同——但看似不相干的三個劇碼，卻都有一個共通點：對我們居住的這塊土地濃而不烈的感情。雖然沒有看過《浮浪貢開花》首 集，但看完PART 2的表演形式加上第一集的劇情介紹，腦海中的畫面已經相當清晰，也可以想見這樣的戲為什麼可以有第三集、第四集……。

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