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2014年6月21日 星期六

從體現到體感----新身體語彙浮顯

文字: coolmoon
網站: 我乃文字

今年「雲門2」的《春鬥主場》由三位雲門新世代主力編舞家:鄭宗龍、黃翊、布拉瑞揚,與「雲門2」的年輕舞者,主創三個作品:〈杜連魁〉、〈浮動的房間〉、〈Yaangad.椏幹〉,試圖脫離雲門林懷民肢體風格的影子,呈顯當代新的身體語彙。論其成敗還言之過早,但從中隱隱浮顯殊異於上個世代的「感覺邏輯」。

二十年前林懷民《流浪者之歌》的文宣寫著:「流浪者的雙足宛如鮮花,他的靈魂成長,修得正果;浪跡天涯的疲憊洗去他的罪惡。」,流浪成為一卷個人史詩,一個儀式動作,隨金黃稻穗滾落塵揚而蔓延為一首民族歌謠。新任藝術總監鄭宗龍雖也旅行,也浪跡亞洲各地,可是用語相對平實而貼身:《在路上》。身體在路上,感覺隨境而變,一路拾掇,不特標舉「流浪者」的身分,也不在意是否完構成詩歌;我就是我,而我,正在感覺著…….

〈杜連魁〉延續《在路上》的身體結構語彙,取材自王爾德(Oscar Wilde)小說《格雷的畫像》(The Picture of Dorian Gray),名稱卻用了1977年出版王大閎翻譯的《杜連魁》,這一轉譯實已暗示出作者文化混血的身分與趣味所在:英語說書的聲波與台灣街景交錯;西方現代舞與北管扮仙身體的拼貼;學院與市井的身形雜韖。這種種混亂交錯不僅僅是主體論述,更為一種實體感受。論述總是企圖直指核心,而感受的重點卻在表面即是意義。

整支舞以〈杜連魁〉的英語敘事為背景聲音,動作也與其敘事有著若即若離的連結。然而匠心獨具之處並非敘事奧義或譬喻,與肢體構成了什麼深刻的辯證或對位;而是那敘事者的聲音的快慢高低質感,取代音樂,鋪墊了舞蹈的整體聽覺。

同樣地,取代了黃金稻穗自頂灌洩,〈杜連魁〉裡是油油黑墨瀑布般淋頭而下;二十年前昂頭領受的光頭僧侶,變成披髮覆斗篷的垂頸女舞者。越來越狼狽不堪的身形,似乎影射出賣靈魂換取永恆的青春美貌的主角格雷,在畫像中越來越老醜虛弱的真實自我。實際上這個始終屹立台邊的側寫形象,強度大不如林懷民流浪者之靚亮奪目,然而一陣陣類似洗髮液的化學香料從台前傳來,在觀眾席久久不散,對我來說,嗅覺渲染力超過視覺表現,正是貼身體感代替意義體現的新感覺邏輯。

「體感」取代「體現」的感受傾向,在第二支舞〈浮動的房間〉中表現得更為貫徹而不露拼貼痕跡。編舞者在此拋棄標準的「舞蹈身體語彙」,讓身體節制地配合情緒和敘事氛圍而動作,使每個畫面都處理得很像電影情節的停格,停格點是當代年輕男人與女人之間的激情、慾望、齟齬、情感暴力場面,大人和小孩之間的牽掛、寂寞、強弱懸殊和無能為力,一幕一幕猶如發生在無形房間中的生活場景。在顧爾德(Glenn Gould)彈奏的巴哈D小調鋼琴協奏曲(Bach, concerto in d minor bwv 974)琴聲中,卻又反向拉出反芻默想的距離。

在我眼中,這作品仍十足是舞蹈而非戲劇的,原因不在它的敘事斷碎,而是以身體裁斷空間、定義空間的方式,依舊是非常舞蹈的定義。它的戲劇性張力絕對不在舞者表情及動作,而在身體的形狀和量感雕塑。從個體到群體,以人體測繪出情感的濃稠與疏散,以體量的變化凝寫情感風景。燈光簡潔地削著舞者身形落下,也協助強調出身體在空間的動態,方是這場「敘事」的主角。

這舞作從燈光、服裝、道具、肢體動作,都呼應著舞台上關於「量」的書寫。一條老式黑色電話機的纜線從台外連入,由小而大的振幅在空氣中掃出聲音的形狀;一盞懸吊的燈泡擺盪,搖曳出寂寞的光圈幅員。衣服在皮膚上的層層包覆到剝除,賦形出男女面對愛情自我暴露的深淺;成人與孩子的落差,實現在衣服的尺寸上。情感空間的擁擠或荒寂,體現在舞者們身體的湧動,如潮汐般圍堆而又隨時可以消散於無形。種種身體和物件在空間中的量變,廓繪出一種感覺的呼吸和節奏。

有人說,這裡描寫的不是什麼深刻的情感,是發生在每個人生活裡的瑣屑、微小,甚或不堪。然而我卻覺得,這種淺層的感覺佈滿了生活,浮漾、瀰漫、充滿,或許早已取代了所謂的感情。或可說這不是描寫情感深淺的作品,但卻頗精準表達出感覺/感情的形體和質量。

相對來說,布拉瑞揚.帕格勒法的〈Yaangad.椏幹〉就走回了追索生命(Yaangad是卑南語「生命」的意思)意義的大敘事。卑南歌手桑布伊的歌聲很美,一開口就讓靈魂找到回家的路。陳主惠現場演奏的大提琴很美,音高與人聲相仿聽起來相當溫潤暖心。黃褐色泥土一圈圈圍成丘塚,中央一截枯木,部落祭壇般的形象很清晰;穿著黑色現代服裝的男男女女,象徵在都會資本機制無根飄泊的族人很鮮明;他們身體痙攣、抽搐、上下晃動,彷彿單調的機械頻率,在倒下又起身時,揚起一片粉塵,沾得一身泥濘。所有的符號都到位,敘事也還算完整,但是,這樣的主調卻像另一個版本的族群之歌;它仍然繼承雲門第一代的懸念、失落、憂鬱,而讓意義化為象徵符號、並以身體寫下那符號形狀的手法,也令人感到似曾相識。


當然國族情境某種膠著狀態,是持續的現實,困惑從未間斷。即使創作者埋首個體的感覺世界,仍無法不為集體狀態所包覆網羅。但資訊滿載的一代,已難以囫圇吞嚥任何偉大意義的強力灌輸,而總東張西望,總是對無所不在瀰漫於周身的才感到真實。新的感覺結構召喚著新的創作能量,雲門2的新身體語彙雖不是一躍而出,至少是慢慢地浮顯當中。



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2014年5月8日 星期四

雲門2:春鬥2014 斷章

文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca


時間:2014.04.27 2:30PM
名稱:雲門2  春鬥2014  斷章
地點:新舞台

寫字的當下,我翻出了好久之前買的Pachelbel Canon全集,裡頭共有15種版本的Canon詮釋,來自不同的演奏者與器樂。

《斷章》是支非常好看的舞,畫面處理的細膩程度,走位調度的均衡巧思,甚至是聽覺感受的瑟沙聲響與舞者濃重的呼吸聲等,都讓這次的觀賞經驗十分美好。舞作裡同時存有純真與殘酷,卻能彼此平和的共存。我在裡頭看到了很多東西,卻意外發現自己並沒有太多的感動。或許是因為我還太年輕,又或者是我已有某程度的看破與不願承認。因此,我決定好好的記錄這次看舞的想法,說不準幾年後再回過頭閱讀文字,我就能恍然大悟了!

《斷章》最大的特色是不停的重覆、重覆、再重覆,並使用相當細碎與生活化的動作來組成這些重覆。透過這些重覆,建構出舞作的空間感與時間感。這當中有一套規律的動作,從頭到尾總共重覆了三次:最一開始的舞者赤裸上身 (男女皆是),只著下身的一件小褲,不停的搔癢、翻滾、抓喉嚨、呼吸喘氣、佝僂哭泣等;漸漸的,舞者穿上了衣服,繼續相同的動作;最後每個人都包裹上了冬季大衣,還是持續一樣的動作。這三組輪迴,透過服裝來象徵季節不停的往前奔跑,但周而復始的動作卻從未減少或停止,猶如一個人的人生像是繞圓般汲汲營營、從未休止的忙碌;將視野放得廣角些,又像是人類這種生物,從出生開始就不停的在身上加諸責任與負擔,無法放下、也不知道如何放下。

舞作裡經常出現群體中,不經意落拍的個人。有時候是帶著期盼的望著遠方、或是直愣愣的看向天空,更有時候是臉頰鼓鼓氣呼呼的手插腰,抑或無力放棄般的將臉皺巴巴的揉成一團。這樣的設計有趣極了,因為平常的我就是會這麼做:試圖在群體中跳出我自己,可能是無意識的靈魂出竅,也可能是刻意的站在一旁觀察,從我身旁匆匆過去的個體是怎樣的一回事:激動的、不理睬的、憤怒的、無奈的。這種暫時「獨善其身」、「不屬於任何群體」的遊戲,我總是玩不膩。腦袋瓜快速的運轉著,思考為什麼會有這麼多複雜難解的狀況同時在當下發生;就像是同屬於一塊調色盤,有著東一塊西一塊的色塊存在,看起來雜沓混亂、毫無交集,盤上卻色彩斑斕,偶爾還會有那一點點兩種色系交融的模糊地帶。(音樂為Angelo Branduardi - Alla Fiera dell'Est)

一段說愛情的雙人舞,精準地描繪了男女雙方在感情上的試探與羞怯。男孩的頭微微側轉、眼睛直盯盯的看著後方的女孩,那個「要跟上我唷」、「喏,跟上來嘛」的抖肩,實在是可愛到不行!眼看著女孩還緊抓住裙擺,沒有動作,男孩硬是要從背後推個一把。亦步亦趨的追逐遊戲,小巧精緻的讓人愛不釋手。

渺小的我們無力去抵擋生活的日復一日,也無法停止白天黑夜的循環運轉。且攤開雙手,看向空中,尋找那短暫的靜默,假定這世間就是在那時候停止了吧!舞台上有一段舞者完全沒有動作的段落,僅有Pachelbel的Canon在空間中,一個音一個音的緩慢推進。這是整齣舞作裡我最喜歡的片段,安安靜靜的讓旋律流逝,什麼都不作。感受動作靜了、心情靜了、周圍的空氣流動也靜了,然後期待後方的影像雨過天晴。雖然現實沒有這麼美好,而我也沒有等到。



終究,我們還是被綁住,被塵俗世事給綁住,但總有個內心自由的想望在那兒,不會不見的:我想要紅色的愛情、黃色的誠實、綠色的爽朗、橘色的奔放、白色的純潔、紫色的浪漫、藍色的纖細。是的,在持續跳動、為生活忙碌的現下,我還是被綁住。但這些想望,依舊直挺挺的向上攀升,從不放棄,也從不離我而去!

《斷章》,原名是Oculus,拉丁文原義是眼睛,或者指眼狀窗孔,一如羅馬萬神殿大圓穹頂毫無遮蓋的窗口。那兒會下雨,但希望也會從那而下!(下圖為今年2月到羅馬旅行時所拍攝的萬神殿實景)




演出片段:第六屆台新藝術獎入圍介紹 


後面有一點點編舞家伍國柱的專訪:






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2014年5月7日 星期三

always too late: 伍國柱《斷章》

文字: 鄒欣寧
網站: 欣寧的文字收納室


伍迪艾倫說,悲劇加上時間,就是喜劇。伍國柱的《斷章》推翻這至理名言。在《斷章》中,悲劇加上時間而不荒謬,在於那用力到就要出血,近乎刺骨的重複。


進劇場前,我給自己下了個苛刻無情的指示:不能因為編舞家令人惋惜的早夭,而擅自幫這齣未看過的作品添加太多悲情。但一開場李尹櫻的演出就駭人得逼出我的眼淚。我很喜歡看這個舞者,她的表演有種細細繃在弦上的神經質,與《斷章》大量怪誕面容和重複的撓抓吻合無間。在她之後的群舞,一視同仁的裸身,把慾望斷然劈開,袒露了「人」,伍國柱的強悍完全讓我懾服。


大半時刻我都是眼眶含淚或乾脆淚流滿面的。那麼神經質的動作,好像是一把猛烈的火把生命燒得滾燙而造成的。於是越看全身繃得越緊,等意識到時,我早把拳頭握得死緊,像要把自己的肌膚掐出血痕。那是舞者們在無聲的舞台上扯胸、吐氣、彎身、立起⋯⋯反覆又反覆之際。悲劇。我想起讀希臘神話,眾神與人的悲劇。薛西弗斯是如何日復一日推著大石子上坡?被縛的普羅米修斯怎能忍受被老鷹啄破肚腹,夜間痊癒無傷,隔日又被啄破肚腹這麼恐怖無休止的日日夜夜?然後是某個段落,我清清楚楚看見創作者在跟我說話。我看見自己在台上。悲劇是,我們不是英雄,但我們同樣在自己的生命中,用力地重複,用力地以重複拼鬥「重複」的概念,為了我們也不知道的緣由。


好不容易,卡農帶來了靜止和休息。然而卡農本身也是一首重複又重複的旋律。於是連靜止都不安份了。像在醞釀,像在預告。到這裡我開始覺得伍國柱很無情。舞台上的落葉堆高了,舞者身上的衣服也變厚了,而動作和生命逕自重複,枯樹始終無葉。然後怎麼辦呢,我們就要老了。昨日盛年已過。


可是柱子不老。他的作品也沒有老去。這麼刺這麼燙,這麼淋漓。我終於瞭解,開場前我翻著他的創作日記,他說他一貫的問題是,always too much。而在《斷章》中,那重複來自於一個像是心底魔鬼的聲音:我們喘息的縱深、奔跑的速度、折磨自己好抵達一個謎底的力量永遠不夠,不夠,不夠⋯⋯


為什麼面對柱子,我註定只能當一個太遲的人?


不只是他死去之後才認識他的作品。


那是大一下學期,我總算鼓起勇氣跟著同學去話劇社上社課,第一堂課,大四學姊神情嚴肅地告誡我, 話劇社的社課不准遲到,沒有理由不呈現課堂作業,「這是我們之前的老師留下來的規矩,因為遲到表示妳不夠重視這堂課。沒有呈現,是妳不夠重視這堂課。既然要來,就沒有理由不夠重視這堂課。」


之前的老師叫柱子。學姊惆悵說,他去德國念書了,好可惜,妳們應該認識他的。他是很棒的老師。很嚴格,但很棒,他讓我知道,愛劇場是怎麼回事。


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2014年5月6日 星期二

身體語彙的內與外《4》、《2》



演出:陶身體劇場(北京)
時間:2014/03/28 19:30

地點:新舞臺

文|鄭惠文(藝術文字書寫者)

進入陶身體劇場的場次,是非常偶然的事情。其實一個不常看表演的人,在影像傳播的牽拉之中,非常偶然地重新進入這個小時候嚮往的表演舞台。上月底在台北,陶身體劇場在新舞台關閉前的倒數演出。

起始,幕快速揭起,黑暗中亮起一兩個雙面黑、衣服反正不分,然後隨著燈光逐漸浮現出四個。即使最後幕剎然落下,舞者演員在後方急促的呼吸聲依舊響遍全場,演員們動作展現十分之熟練的乾淨俐落,正如舞作的純粹性,像千錘百鍊後自然反應的行雲流水。但那絕對不是任何舞者都能完成的舞蹈,每一個轉身、每一個極細微的肌肉轉動,是那麼違反自然律動的自在流暢,像是帶有某種東方獨有的哲學身體才做得到的境界。於是你想起了雲門舞集的肢體,思忖也許這正是林懷民對他們如此加愛的原因起點。

對我來說,相較于於雲門的肢體,陶身體劇場又做得更大膽、更具當代精神。不用說《4》的動作極度困難也極度耗費強大的身體能量,考驗著舞者演員的身體技術與體力;還有那些一再反常運動慣性、從所有可能的既定身體律動中脫出的反覆,陶冶讓舞者一再運用頭部與人體最脆弱的脖子創造肢體視覺,對我來說更有超越視覺之外的意義——對舞蹈家來說,頭頸的舞蹈能夠大膽甩動,實則伴隨相當的風險與危險。而無髮飄動的牽絆,也是任何既有體制下的舞蹈家們需要跨越的一層心障。

然而在這樣甚而巨大的風險中,你看到舞者演員們累積的準備更是深切極致,冒險與抵抗正反動著傳統舞蹈、傳統現代舞、當代的現代舞本身——他們無髮細膩扭動的核心主題,創出一條誰都沒有走過的空間身體,追尋完成舞作動作與意義之下是自我荊棘的執著。

特別的是,隱藏于視覺之外、存在於藝術家自身的意識與擴張,音樂成為一項極重要的提示:即使演員們與音樂關係乍看若即若離,像是旋律比節奏重要、不想被傳統數拍子綁住的境界,他們把重心向下沈,控制所有關節,融合曾經累積的所有中西式訓練,貫通而專注於自己。

作品《2》,趴在地上的雙人演員,就像是沒有完整的腳能去自主自己的人,他們依賴地面,完全不特別用力反抗地心引力,即使也能撞出精彩的跳動、移動與互動。但從音樂的特性,我認為小河的音樂讓舞作的詮釋帶往「(巨大)媒體」之下個人反應,《2》,便意指著某種被控制的媒體時代中,兩個人牽扯羈絆的對話與生活。我認為這齣舞是陶冶發自生活、非常帶有私人經驗的創作。

而作品《4》,人們總之是分不清是前方或後方的演員,反身穿著墨綠色的大垮衣及飄飄鬆大的極黑染褲,演員們臉塗黑,分不清是前方或後方,甚至肢體動作也刻意讓正身演繹背面動作,衣服穿反,肢體躍反,全都的所有是反面,曲兒跳跳,人幾乎不存在著所謂正格的正面。音樂,仿北京街坊傳統樂奏的人聲搭兒登登鏘筐起兒瞪,從「樂器」換成人聲,搭上非樂譜標記音性的大提琴樂,你想起了陶身體劇場在北京的排練場,街坊的環境之音穿破在具有肢體累積的文化底藴中的現代舞,多重的文化樂聲,混搭成一個人存在于當代中國的某種孤獨之境。

這讓我聯想起幾個中國當代畫家,例如曾梵志或者張曉剛畫中掛著一致面容的人物,所指涉的複雜情狀。但《4》的人物更從同質性的人群中發展出更新一層的語言——沒有所謂正方、全都是反面。在極致純粹的問題意識與主題反覆之中,作品巨大現場能量與極細緻美感的肢體之外,浮現出核心的意義——即所謂的創作思維。富天賦的鍛鍊與現場身體空間美學之外,隱然地、隱晦地、曖昧地看到了當代生活框架的特性與政治性。

總而說,陶冶作品的創作質感,所具有的專注性與純粹性,在無論何種領域的年輕藝術家中都是極度少見的。舞作之外,那股極度堅定的創作態度,意味著藝術家本身的生命質感、生活韻律的真實性格,選擇摒棄時代帶給我們五花繽紛的千樣取捨,願意捨棄三千弱水只取一瓢,是他的創作能以在這個時代突出的意義之一。我這麼認為。


藝術家有些不會明說的話語,你會不會也看到了呢。

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2012年12月27日 星期四

【預報】果陀劇場:動物園

文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca





時間:2012.12.22  7:00PM


地點:果陀劇場排練場


名稱:果陀劇場 動物園



雖說做事總是一氣呵成最好,但這《動物園 (The Zoo Story)》的劇本,可是在距離初版之後50年,由劇作家Edward Albee本人,於原作品前頭加上了一幕「家庭生活」。因此,這次果陀演出的版本就是後來的新版:《在家與在動物園 (At Home At The Zoo》。



先讓我岔個題,今年台灣的兩個大團:綠光與果陀,不約而同都搬演了Edward Albee的劇本 (綠光的《外遇,遇見羊》)。大概是擅用荒謬探討人性情感的作品,正好符合充滿亂象的鬼島台灣吧!



好,回到作品本身。《動物園》以金士傑飾演的溫文儒雅的郭彼得為中心,上半場是郭彼得與妻子安娜 (姚坤君飾) 的家庭對話,下半場則是郭彼得與遊民王基立 (顧寶明飾) 的公園對話。沒錯,就是「對話」。郭彼得是個事業有成的出版商,擁有美滿的婚姻生活,幾個可愛的女兒,甚至還養了鸚哥來陶冶性情。但在這樣看似人生勝利組的表面下,妻子卻對平淡的家庭生活感到困惑與不安,就如同平靜航行的船反而令人害怕一樣。因此,妻子若有似無的迂迴前進,慢慢的旁敲側擊,從不相關的枝微末節,漸漸前往問題核心,藉此抽絲剝繭地探討婚姻與生活的另一層關係與意義。



接著我們來到了公園。遊民王基立找上了郭彼得聊天。「厚話」又口無遮攔的王先生,除了刺探評論郭彼得的生活外,還一直纏著郭彼得講故事,更提及了他要把「動物園的故事」留到最後再說。於是,我們開始聽起了王與公園管理員兒子的故事、女房東與黑狗的故事,最後還看到了郭彼得與王基立面目猙獰的爭奪起公園長椅。奇妙的是,雖說王是沒頭沒腦的在瑣碎絮叨,但怎麼說的內容好像都可以呼應到郭與妻子的家庭生活。



場上的人物與場景都是寫實的,但說出來的對白卻讓人感覺疏離且摸不透。直到看完整場戲,心裡隱約有種難說的複雜情緒。「人性」是人類自恃贏過其他動物的重要因素,我們知廉恥、我們守禮節,我們知道怎樣的行為是合理合法的。然而,生活中的激情、脫序、混亂,甚至是傷害、刻薄與大小惡,何嘗不是人性,又或者說,「野性/動物性」的一面?



《動物園》拐了個彎,用兩個世界的人們 (最親近的妻子與最遙遠的陌生遊民),點醒你該面對的真實。《動物園》的故事,我想你不是不知道,只是你選擇不去想起而已。



看戲的小提醒:我很喜歡這個本,也很喜歡三名演員的演出。但由於演出的對話非常的多,又需要觀眾思考,請記得要養足精神再去喔 XD



演出資訊: 

◎ 時間/地點: 

2012/12/27~2013/01/06 台北新舞臺 

2013/01/11~2013/01/13 台北城市舞台 

2013/01/25~2013/01/26 台中中山堂 

2013/03/02 台南文化中心演藝廳 

◎ 劇作家:Edward Albee 

◎ 導演:梁志民

◎ 演員:金士傑、顧寶明、姚坤君 

◎ 兩廳院售票網址:http://ppt.cc/9iNI 

◎ 劇團臉書:https://www.facebook.com/godotfans

 





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